"Paradise Theatre" de Styx: donde el progreso se encuentra con el pop puro



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Cuando llegó la década de 1980, Estigio estaba encaminado en un camino que garantizaría los mayores éxitos del grupo y, en última instancia, sellaría su destino. El letrero era de 1979 piedra angular, quien descubrió que las cinco piezas de Chicago migraron del territorio del rock progresivo de sus primeros días a una sensibilidad pop encarnada por primera vez en el sencillo principal y el éxito característico del álbum, la balada expansiva "Babe". Sin lugar a dudas, por muy popular que resultaría: en diciembre de 1979 pasó dos semanas en la cima Cartelera& # 39; s Hot 100, una posición que la banda nunca ha alcanzado antes o de nuevo; incluso entonces era un poco un rompecabezas, una canción notablemente de Main Street para una banda que previamente había manipulado fanfarronadas musicales tan entretenidas como "Come Navegar lejos".

Cuando los desacuerdos sobre la dirección de una banda se prolongan durante todo el proceso de producción, es raro que las cosas terminen bien, y Styx no es una excepción. Al igual que los álbumes de Police contemporáneos en los que un oyente podía decir sin mirar las notas de la portada si una canción era una composición de Sting, Copeland o Summers, Styx entregó material que no era coherente en su enfoque ni particularmente cohesivo en su conjunto, separando entre los decididamente elementos comerciales de las ofertas presentadas por el tecladista y vocalista Dennis DeYoung y el contenido de rock más nómada compuesto por los guitarristas Tommy Shaw y James "JY" Young (ambos partidarios de; incluyen "Babe" en piedra angular, incidentalmente, aunque los desacuerdos sobre el single que debería seguirlo casi llevaron al lanzamiento de Shaw y luego al despido de DeYoung), y aunque los dos campos pueden no haber estado en un punto muerto de producción, las diferencias con respecto a qué era exactamente la banda fueron audibles. en el producto terminado.

Styx en una foto publicitaria de 1981 (de izquierda a derecha): Chuck Panozzo, James Young, Tommy Shaw, Dennis DeYoung y John Panozzo

Estas tensiones se mantuvieron en evidencia en el décimo álbum de la banda, Teatro paraíso. Un conjunto que podría acreditarse de manera creíble a Various Artists, este es un registro de concepto delgado sobre la dedicación al concepto que juega un tira y afloja entre las consideraciones comerciales y otro tipo de ambición. Artística, y aunque a veces funciona, terminó siendo muy popular. marcador de un paso sustancial hacia la disolución del grupo.

Aparentemente un ciclo de historias sobre la imposibilidad de materializar el sueño americano en la realidad, contadas a lo largo de la corta vida útil de un teatro de Chicago, el set se abre en "1928 d.C." con una melodía que se hunde más profundamente en el disco. DeYoung pista de principio a fin, siguiendo su línea de sintetizador yendo directamente a las aspiraciones de Broadway mientras aplica el chasquido resonante de su voz a través de su fresco flujo. Hay indicios de producción lúdica en las voces de respuesta derivadas del vocoder de la canción, pero en el fondo. es pura mezcla de pop.

Este levantador de telón continúa con la mezcla propulsora de guitarra y piano 'Rockin' the Paradise ', con la voz principal de DeYoung con una fuente de bravuconería simple y el gruñido ocasional junto con una serie ruidosa de glissandos y teclas martilladas. La batería de John Panozzo se mueve de un canal a otro y el relleno de la guitarra eléctrica tiene delicadeza de sobra en un rock vivo y digerible que usa su arreglo para agregar sus chispas sónicas. La canción se convertiría, al final de la carrera del álbum, en su cuarto y último sencillo, alcanzando el número 8 en la lista de rock mainstream, la lista perfecta para su sensibilidad.

Un pico seis lugares más alto, a pesar de que alcanzó el noveno lugar en la tabla de clasificación Hot 100, fue el resultado de "Demasiado tiempo en mis manos", impulsado por Shaw. Forjando una columna elástica alrededor de un pulso de sintetizador junto con golpes de batería que rebotan alrededor de la mezcla, la melodía tiene un borde ligeramente fuera de lo común, pero generalmente fusiona múltiples sensibilidades en una accesibilidad resbaladiza. La voz de Shaw vende The Loser's Lament (tanto en la canción como en el video de acompañamiento sorprendentemente literal) con un enfoque ardiente, insistente y divertido que no lo hacen las voces más agudas y dramáticas de DeYoung; no habría conducido a resultados similares. Sería el único single top 10 liderado por Shaw en todo el catálogo de la banda.

Todos los sencillos del disco se agruparon en el primer lado, entre los cuales el nítido "Nothing Ever Goes as Planned" quedó en tercer lugar. Un acto de DeYoung, esta es una compañía teatral que se deleita con toques fuertes. Sus rellenos de guitarra aportan sabor sin ninguna nitidez especial en apoyo del brillante grito de DeYoung, produciendo una canción media con un poco de rebote. Este sería el single menos exitoso del registro, alcanzando el puesto 54.

La principal oferta de radio del álbum también fue su mayor éxito. "The Best of Times" fue una señal para el grupo en el que se había convertido Styx, tomando la melodía establecida en "A.D. 1928" en una pista pop-rock profundamente pulida. Clásicamente deYoungian, es llamativo y digerible, mucho más cercano a Broadway que cualquier tipo de art-rock en una poderosa balada de potencia limitada. Centrado en el piano y cargado de tropos pop explosivos, este fue un gran éxito, alcanzando el tercer lugar en el Cartelera lista de singles, pero es revelador que solo subió al puesto 16 en la lista de rock convencional. Una canción pop de principio a fin, "The Best of Times" es pulida, profesional y luce un gancho memorable y espacioso, pero como una marca del enfoque de la banda, no apuntaba a una evolución artística.

"Lonely People" abre el segundo lado con más teatralidad ofrecida en un intento de ambientación, pasando de los sonidos de una tormenta y conversaciones de fondo a una fanfarria de trompetas, que da paso a la voz de DeYoung flotando en una filigrana de guitarra eléctrica enterrada en lo profundo. antecedentes. Se abre camino a través de su deliberada agitación, aprovechando su melodrama de borde rocoso.

Shaw compuso y dirigió "She Cares", un matrimonio de un doo-wop inclinado hacia atrás con una suave sacudida rockera recortada por piano. Califica como una muestra de variedad, pero solo como una bagatela, una ligera banalidad en lugar de que Shaw empuje algo singular en el espacio limitado que domina en el disco.

Un himno antidrogas bastante sencillo, "Snowblind" captó la atención de la gente ocupada en el Centro de Recursos Musicales para Padres, quienes ridículamente acusaron a la banda de insertar mensajes satánicos al revés en la canción. Es un asunto de rock pegadizo de Young / Shaw, con Young cantando los versos, los efectos bordeando su entrega deliberada, y Shaw agregando la urgencia tonal para hacer que los coros sean un poco más contundentes. Tan fascinante como es que una canción sobre los peligros de la cocaína se convirtió en una fuente de burla entre la gente masivamente crítica, el número tuvo un efecto duradero que nadie podría haber predicho en ese entonces, ya que la extraña reacción que recibió ayudó a inspirar el guión de el próximo álbum de la banda, un conjunto que aceleraría la desaparición de la banda.

En una secuencia curiosa, la mayor contribución de Young al set sigue inmediatamente, con “Half-Penny, Two-Penny”. Diferente en un aire de Shaw pero aún en su vecindario general, y muy diferente de la salida de DeYoung, siente donde está colocado como un desvío de un desvío. Curiosidad insistente con un interludio espacial que casi suena como si la banda intentara volver a su auténtico progreso, la melodía es una pieza hinchada de rock teatral, pero puesta en escena en un teatro completamente diferente al que está tocando DeYoung.

Esta pista da paso a una conclusión técnica con "AD 1958", recuperando la melodía que abrió el disco y el papel de DeYoung como narrador, aunque sigue canciones que no parecen culminar en una historia. Particular ni elementos de una particular DeYoung es serio en su intento, pero aterriza como un sujetalibros superficial tratando de mantener unido un "concepto" que es en gran parte una agregación de piezas del mercado de accesorios.

El set termina con poco menos de 30 segundos de sabor extra, un piano de jugador llovizna en el clip de "State Street Sadie". Como parte de una lista más grande que el grupo ofrecería en su totalidad (incluido su solo de clarinete) durante los créditos reproducidos en una pantalla en el escenario al final de las actuaciones en apoyo del disco, DeYoung notará más tarde que si hubiera para hacerlo todo de nuevo, lo habría incluido en su totalidad en el registro.

Al final, esta ausencia fue irrelevante para el logro de toda su visión artística. Tomados por separado, los dos lados del álbum resaltan las fortalezas y limitaciones de la banda en ese momento. El primer lado es un intento de construir algo con estructura y una línea directa, mientras gira éxitos que atraen a los fanáticos del pop y el rock, y lo hace de una manera espectacular. El segundo lado es más una mezcolanza, y uno en el que los llamamientos son mucho más limitados, y el intento de enredarlo al final es un recordatorio de lo difícil que es hacer coexistir visiones tan dispares.

Cuando llegó a las tiendas el 19 de enero de 1981, Teatro paraíso ha hecho un gran negocio gracias a sus éxitos, encabezando las listas en dos ediciones en abril y mayo, y moviendo más de cuatro millones de copias en los años desde su lanzamiento. Si no fue el logro artístico de la banda, fue su mayor éxito comercial, llegando incluso cuando comenzaron a aparecer grietas. Dos años más tarde, Styx regresaría con el álbum que sellaría su destino, ya que la reacción de DeYoung a la reacción de "Snowblind" lo puso en el camino hacia lo que se convertiría en Kilroy estuvo aquí. Ese disco, el número de firma en el que estaba "Mr. Roboto", llevó a la banda a una encrucijada de synth-pop de la que nunca se recuperarían, y demostraría ser el último álbum con su formación clásica de cinco hombres.

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Styx ha resistido de una forma u otra, pero la división entre los campamentos de DeYoung y Shaw / Young finalmente demostrará ser la ruina del grupo. Estos llevan el nombre de la banda y continúan interpretando su catálogo, a pesar de que expresan su desprecio por el camino que DeYoung los ha llevado a estos éxitos. Si bien su exlíder ha sugerido que el grupo se reúna para una última gira de sus principales miembros de los días de gloria, parece poco probable, dejando a los fanáticos deseando lo contrario con recuerdos trillados y lejanos, un curioso eco de transformación de comienzos vibrantes. a un destartalado final de lo que alguna vez fue un gran teatro representado en las portadas del álbum más popular de la banda.

Mirar Styx interpreta "Rockin & # 39; the Paradise" en vivo en 1981

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