Cuando los rockeros clásicos sacudieron a los clásicos



<! –

->

El rock & # 39; n & # 39; roll todavía estaba en su primera década de disrupción pop cuando, en 1956, Baya de chuck Se burló de la ópera y la música clásica, diciéndole a Beethoven que "se diera la vuelta … y le diera la noticia a Tchaikovsky". Pero durante las siguientes décadas, a medida que las filas de fanáticos del rock aumentaron con el baby boom de la posguerra, los artistas, productores y compositores siguieron más que dispuestos a aprovechar estas antiguas costuras musicales para buscar un nuevo éxito.

Cuando la Electric Light Orchestra of England grabó su versión de "Roll Over Beethoven" de Berry en 1973, no fue nada extraño incorporar la música actual de Beethoven en su versión. (Desplácese hacia abajo para ver la historia de portada completa de ELO).

La mezcla de rock y clásicos se remonta al menos a principios de los años 60. Siempre listo para sacar provecho de algo nuevo, el productor, compositor, escenógrafo y futuro Runaways Svengali Kim Fowley eligió a Tchaikovsky para marcar un éxito con 'Nut Rocker', el 1962 instrumento instrumental creado a partir de la amada partitura de ballet del compositor ruso para Cascanueces y acreditado a B. Bumble and the Stingers, quienes alcanzaron el puesto 23 en el ranking de solteros de EE. UU. y encabezaron el ranking de solteros del Reino Unido.

Tres años más tarde, los compositores Sandy Linzer y Denny Randell se llevaron a casa el oro cuando transformaron el "Minuet in G major" de JS de Bach en "A Lover's Concerto", un gran éxito de grupo femenino. Que explotó su sofisticada estructura melódica para difuminar la línea entre el verso y el coro. Según lo grabado por los Toys, la canción reemplazó el tiempo de vals de la composición original con un rápido compás de 4/4, alcanzando el segundo lugar en CarteleraLista de singles en Estados Unidos, bloqueada por el doble de "Yesterday" de los Beatles y "Get Off My Cloud" de los Rolling Stones, y alcanzando el 5to lugar de la lista de singles británicos

Ese mismo año vio otra melodía familiar de Bach injertada en un nuevo tipo de música de "pelo largo", el folk-rock de Byrds. Publicado el 29 de octubre de 1965 como cara B de su éxito "Turn!" ¡Torre! Turn !, "She Don & # 39; t Care About Time" de Gene Clark fue una elegante y alegre canción de amor que se elevó a los cielos con un solo clásico de 12 cuerdas de Roger McGuinn Rickenbacker que cita "Jesu, Joy Bach's of Man & # 39; s Desiring ", un coro de cantata de 1723 que, en retrospectiva, podría calificarse con razón como uno de los grandes éxitos de Johann Sebastian.

(Ese mismo tema melódico daría forma a una pista de Beach Boys de finales de los 70, coescrita por el miembro original Al Jardine, "Lovely Lynda").

A lo largo de los años, la influencia dominante de Bach más allá de la época barroca que él definió se extendería al pop, el rock y el jazz en varias ocasiones. Más allá de las citas directas de su extenso catálogo, las invenciones estilísticas y la precisión matemática de Bach en el diseño de intrincadas fugas aflorarían en los estilos de teclado de los teclistas más competentes del rock.

Pocos músicos han obtenido un mayor impacto de los dones melódicos del compositor de Leipzig que Procol Harum el organista Matthew Fisher, que adaptó "Air on a G String" de Bach para el tema de órgano evocador que obsesionó al gran éxito del grupo británico en 1967, "A Whiter Shade of Pale". A lo largo de Summer of Love, la yuxtaposición hipnótica de la canción entre el majestuoso sonido de cámara y las letras surrealistas que hacen referencia indirecta a "The Miller's Tale" de Geoffrey Chaucer estableció el impacto único de la canción.

Relacionados: La historia de "A Whiter Shade of Pale"

Mientras que el cantante y pianista Gary Brooker y el letrista Keith Reid fueron acreditados como los creadores de la canción, Fisher luego desafiaría esa paternidad en una demanda de 2005, alegando que la configuración instrumental de Fisher era una parte integral de la canción, ganando finalmente crédito y regalías en una próxima Casa. de la Sentencia de los Lores que modifica un laudo parcial anterior. Independientemente de quién compartiera el pastel financiero, la pista de Procol Harum ya había entrado en el canon del rock: en 1977, "A Whiter Shade of Pale" compartió honores con "Bohemian Rhapsody" de Queen como mejor sencillo pop británico, 1952-1977 en los Brit Awards. , y en 1998, la canción ingresó al Salón de la Fama de los Grammy.

(Ese mismo verano, el mundo desapareció del impacto de Sargento. Pimienta También contribuye a una mayor disposición a adoptar elementos clásicos, encarnados por la Moody Blues& # 39; Sumérjase en arreglos sinfónicos en Los días del futuro han pasado, lanzado en noviembre de 1967.)

Relacionados: Nuestro álbum Rewind of the Moody Blues » Los días del futuro han pasado

La encarnación anterior de Procol Harum como Paramounts, una banda de rock más terrenal con sabor a R&B, ofrece un paralelo con otro quinteto que haría un guiño memorable a Bach. El grupo.

Como grupo de respaldo de Ronnie Hawkins, los Hawks, el grupo de Canadá y Estados Unidos incluía al multiinstrumentista Garth Hudson, un erudito musical que se destacó en estilos de teclados de pentagrama abierto; la graduación de la banda a su propio estilo después de su fructífera colaboración con Bob Dylan desató las influencias más eclécticas y la ambición técnica de Hudson. En "Chest Fever", la canción más rockera del mundo Música de Big Pink, su álbum debut en 1968, forja una larga intro de órgano que riffs en los truenos musicales de "Toccata and Fugue in D Minor" de Bach, luego cambia de marcha cuando la canción se convierte en un ritmo verdaderamente febril. En el escenario, "Chest Fever" se convertiría en un punto culminante confiable de sus shows en vivo cuando Hudson improvisó y elaboró ​​su inspiración original de órgano barroco para establecer esta introducción como su propia pieza loca, "The Genetic Method".

Otro caballo de batalla de Bach, el Concierto de Brandenburgo n. ° 3 en sol mayor, apareció ese año a través de Keith Emerson and the Nice, reducido de su conjunto de cámara al órgano Hammond de Hammond Emerson y lanzado como el tercer sencillo del grupo británico. Sin embargo, esta adaptación turbo no fue su primera incursión en el repertorio clásico: a principios del 68, lanzaron "America", un autoproclamado "Instrument of Protest" que fusionó la canción de Leonard Bernstein-Stephen Sondheim. West Side Story con uno de los temas principales de la Sinfonía núm. 9 en Mi menor de Antonin Dvořák (más conocida como la Sinfonía del Nuevo Mundo) como introducción.

Nice y Procol Harum no fueron las únicas bandas británicas que se sumergieron en los clásicos y prepararon el escenario para la explosión del rock progresivo en el cambio de década. En su álbum debut al frente de su propio grupo, Jeff Beck realizó una gira en un show de guitarra típicamente abrasador en "Beck's Bolero", retomando el tema familiar del sinfónico Bolero de movimiento único de Maurice Ravel. (En el milenio actual, Beck abordaría 'Nessun Dorma', el impresionante aria de tenor del Turandot de Puccini).

Como el grupo Jeff Beck, Jethro Tull había sido creado como un grupo de blues-rock liderado por el multiinstrumentista Ian Anderson y el guitarrista Mick Abrahams, pero la determinación de Anderson de ampliar su alcance lo llevó a una ruptura con Abrahams, reemplazado por el guitarrista Martin Barre. Tull se inclinó hacia el jazz y, sí, las fuentes clásicas en su segundo álbum, 1969. Levantarse, con Anderson interpretando una vibrante actualización de "Bourée in E minor" de Bach en la flauta.

El extravagante grupo de Birmingham liderado por Roy Wood, The Move, ha pasado la etapa psicodélica de la década de 1970. Shazam, su tercer álbum, que contaba con una clásica pieza triple de la delirante 'Cherry Blossom Clinic Revisited', que ofrecía otro giro a través de 'Jesu, Joy of Man' s Desiring 'de Bach, un solo de Rick Price que citaba a Paul. El poema sinfónico de Dukas, "El aprendiz de brujo" y "Té" de la danza de Tchaikovsky Cascanueces.

Durante el mismo período, Love Sculpture, la banda galesa dirigida por Dave Edmunds (con el próximo baterista de Rockpile, Terry Williams), se embarcó en una carrera comercial con su ardiente interpretación de guitarra de "Sabre Dance" de Aram Khachaturian, un movimiento visto como una mera táctica novedosa para una banda que de otra manera se había acercado al blues. A finales de este año, el grupo se dispersó.

El surgimiento del rock progresivo a principios de la década de 1970 vio cómo las influencias clásicas continuaron de manera explícita y oblicua. Emerson, Lake y Palmer descubrió que el ex organista de Niza Keith Emerson continuaba recurriendo a fuentes clásicas, más ampliamente en el tercer álbum del trío, 1971 Fotos en una exposición, que adaptó la suite familiar del compositor ruso Modest Mussorgsky, inicialmente compuesta para piano, pero luego ampliada a numerosos arreglos orquestales, para un concierto en vivo del trío. EL&P también elogiaría al compositor estadounidense Aaron Copland en álbumes posteriores con sus versiones de su Copland “Hoedown”. Rodeo ballet y su himno "Fanfarria para el hombre común".

Inevitablemente, los rockeros que recurrieron a los clásicos recurrieron a muchos de los mismos placeres del público en los que las orquestas clásicas y los artistas principales confiaban en su programación. Considere el amplio alcance de "En el Salón del Rey de la Montaña", el gusano de oído menor de Edvard Grieg. Peer Gynt secuela, que generó versiones de jazz, pop y luego rock a partir de 1941. Versiones anteriores de Big Brother and the Holding Company (una presentación en vivo de 1966 de una grabación de televisión) y The Who (presentaciones en vivo y en estudio de 1967, inéditas hasta los años 90) hizo de la pieza una fruta a mano para Orquesta de luz eléctrica.

La propia génesis de ELO se inspiró en el neoclasicismo inherente a la paleta expandida de The Beatles Sargento. Pimienta a. Roy Wood de The Move y su nuevo recluta, Jeff Lynne, disolvieron el grupo para lanzar una nueva línea que destacaría las cadenas. Wood dejó la sociedad después de su álbum debut, dejando a Lynne para liderar la nueva banda (que también incluía al ex baterista de Move, Bev Bevan), que grabó su propia versión de la pista Grieg en el tercer álbum de la banda.

Relacionados: La historia interior de ELO

Sin embargo, a pesar de lo radical que fue este mash-up de casi siete minutos, Lynne y sus compañeros de banda ya habían anotado con un caballo de guerra clásico en el álbum anterior al conectar dos puntos muy importantes: "Roll Over, Beethoven", presentado por los artistas más reconocibles de Beethoven. sinfónico. tema, el primer movimiento de su Quinta Sinfonía, que se tejió a lo largo de sus elogios en el Chuck Berry estándar.

La década de 1970 vio otras adaptaciones clásicas tomadas del canon del pop poderoso, la música disco e incluso una pista de jazz de éxito poco común. Eric Carmen dejó atrás las glorias del power pop de los Raspberries para lograr su mayor éxito en solitario con “All By Myself” de 1976, una balada pop orquestal que toma su melodía del romántico Concierto para piano n. ° 2 en Do menor de Sergei Rachmaninoff (también la fuente de "Full Moon and Empty Arms", un hit de 1945 de Frank Sinatra que Bob Dylan incluirá en el primero de sus tres recientes álbumes de versiones de pop pre-rock, Carmen también levantará una melodía de la Segunda Sinfonía de la misma. compositor de su otro gran éxito de este año, "Never Gonna Fall in Love Again").

La Quinta Sinfonía de Beethoven reapareció como un entrenamiento disco para Walter Murphy y la Big Apple Band, que encabezó las listas de singles de Estados Unidos el mismo año que Carmen anotó con Rachmaninoff.

Mientras tanto, el compositor, arreglista y teclista brasileño Eumir Deodato dos años antes consiguió el Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop con "2001", su vibrante escenario de fusión para el poema himno de Richard Strauss "Also Sprach Zarathustra, que se había convertido en el tema principal de Stanley Kubrick & La épica visionaria de ciencia ficción de 1968, 2001: una odisea espacial.

Paul Simon (Foto vía su página de Facebook)

Si bien el drama de alto nivel sigue siendo el atractivo más frecuente de los artistas clásicos del pop y el rock, una de las derivaciones más elegantes es "American Tune" de Paul Simon, grabada para su segundo álbum en solitario. Este es Simon de Rhymin. Entre las mejores canciones de Simon, deriva su melodía, progresión armónica y gran parte de su contrapunto directamente de "Mein G'müt ist mir verwirret", un coral de J.S. La majestuosa Pasión según San Mateo de Bach.

Compuesto durante el último año de la presidencia de Nixon, la canción sirve como una meditación nostálgica sobre el sueño americano en peligro de extinción. Al sondear las almas golpeadas y los sueños destrozados de sus compatriotas, Simon repasa dos siglos de la historia del país mientras intenta reconciliar la esperanza y la decepción:

"Venimos en el barco que llaman Mayflower
Venimos en el barco que navegó en la luna
Llegamos a la hora más incierta de nuestro tiempo
Y canta una melodía americana … "

Simon notó su evitación general de las canciones explícitamente políticas, prefiriendo abordar estos temas de manera indirecta, pero como se escuchó por primera vez en 1973, "American Tune" sirvió como un elogio para una generación cuyo activismo y optimismo parecían eclipsados ​​por los fracasos morales de Vietnam y Watergate. En todo caso, la canción solo ganó fuerza en los años siguientes. Cubierto por una amplia gama de artistas, se ha convertido en un himno nacional no oficial, más relevante que nunca.

Sam Sutherland
Últimos mensajes de Sam Sutherland (ver todo)

Deja un comentario