"Aqualung" @ 50 de Jethro Tull: The Ultimate Concept Album



<! –

->

"Sentado en un banco del parque …"

Esta es una de las primeras líneas icónicas de la música rock, con uno de sus riffs más distintivos, la Introducción al mundo de Jethro Tull del oyente. Traje de buceo, publicado el 19 de marzo de 1971.

Sobre Traje de buceo, Jethro Tull demostraron toda la gama de sus talentos, infundiendo las canciones con elementos de hard rock, clásico y progresivo. Ya sea en breves cancioneros o epopeyas de varias partes, el cantante / compositor / flautista Ian Anderson y la banda nos presentan a los marginados, los pecadores y los dejados atrás, al tiempo que ofrecen una dura crítica de las construcciones sociales. Es un álbum ambicioso, que sigue siendo relevante, atemporal e infinitamente accesible. En el mundo del rock progresivo, no es fácil.

La banda con sede en Blackpool Jethro Tull se había hecho un nombre principalmente con estilos de blues-rock en Fue (1968), Levantarse (1969) y Ventaja (1970). Pero cuando empezó el parto Traje de buceo se revitalizarían: más pesados, más insistentes y aún más convincentes.

Jethro Tull, principios de 1971

Traje de buceo presenta a Anderson en su flauta, guitarra acústica y voz distintivas; Martin Barre en guitarra eléctrica; y Clive Bunker a la batería y percusión para el que será su último disco con la banda. Para completar la alineación, los nuevos empleados son John Evan en los teclados y Jeffrey Hammond, quien aprendió a tocar el bajo mientras se unía a la banda a fines de 1970. Se mudaron a Island Studios. En Basing Street, Londres, para grabar un álbum con un tema. .

Relacionado: 1971 en rock

Como recordó Anderson, el grupo eran esencialmente conejillos de indias en el nuevo espacio, trabajando con equipo nuevo en el que nadie parecía haber sido entrenado. Resultó que Led Zeppelin había reservado el espacio más pequeño y menos concurrido del complejo de estudios. hacer Led Zeppelin IV así, Jethro Tull terminó con una cavernosa iglesia convertida más adecuada para grabaciones orquestales, lo que le dio al álbum una impronta sonora distintiva. Si bien crear el álbum no fue fácil, la simplicidad de la musicalidad de Jethro Tull y el excelente material brillaron en este álbum histórico.

El primer lado explora el papel de los inadaptados y los sistemas que los descartan. Se abre con el cuento del vagabundo definitivo: "Aqualung". Aquí podemos vislumbrar a un vagabundo indeseable, desaliñado, gordo y de mala reputación que lanza miradas a las chicas, todo contra algunas de las mejores rocas que Tull haya puesto jamás. Pero el estado de ánimo cambia en la Sección B, donde Anderson aprovecha el momento para introducir un elemento de patetismo: "Aqualung, amigo mío, no empieces inquieto", ordena el narrador. "Pobre viejo, ves que solo soy yo".

El contraste entre el comportamiento socialmente inaceptable del vagabundo y las descripciones de su condición – su "pierna duele cuando se inclina para arrancar un trozo de perro" y su dependencia del Ejército de Salvación para su comodidad – se destaca, reflejada en la complejidad musical. La voz de Anderson es a la vez espantosa y gritona, luego delicada y dulce. Mientras tanto, la banda está canalizando rock pesado, con Barre entregando riffs y solos abrasadores. Señalan sus raíces de blues y luego se alternan con la intimidad folclórica. Sin mencionar el marcado contraste entre la instrumentación de rock pesado y la flauta de Anderson. A modo de apertura, esta es una introducción al revitalizado Jethro Tull, sus canciones y temas basados ​​en historias que continuarían a lo largo del álbum. Esto se evidencia en la historia de otra inadaptada del hard rock, "Cross-Eyed Mary", a quien Anderson describe como una mujer que "estaba dispuesta a hacer cosas que las chicas buenas no harían … novio. Aqualung".

La mitad del primer lado presenta un sonido más despojado, influenciado por el folk escocés y los estilos de cantautores. "Teníamos buenos modelos de compositores a nuestro alrededor", recuerda Anderson en 2011. Desde Simon y Garfunkel y Bob Dylan hasta el guitarrista acústico Bert Jansch y "hasta el caprichoso y ligeramente filosófico Roy Harper", Anderson fue interesado en "una especie de pureza y un enfoque simple y claro". "

Mira Tull interpreta "Cross-Eyed Mary" en vivo en el Capital Center, Landover, MD, 21 de noviembre de 1977

El breve 'Cheap Day Return', que tiene lugar a poco más de un minuto de distancia, presenta trucos de guitarra al estilo de Jansch, así como orquestaciones complementarias de Dee Palmer. "(Hace) aproximadamente un día desde que fui a visitar a mi papá al Hospital Blackpool", dijo Anderson en 1971. "Tomé un tren a las nueve en punto, tomé un tren a las nueve en punto. Pasé cuatro horas viajando, cuatro horas con mi papá y cuatro horas de camino a casa. . Era una canción larga principalmente sobre viajes en tren, pero la sección del disco trata sobre visitar a mi papá. Es una cancion real. El 'Mother Goose', con influencias escocesas y cantadas, con sus líneas de grabadora en capas y firmas de tiempo alternas, es puro surrealismo. Damas barbudas, amantes de los pollos, elefantes de Piccadilly Circus y muñecos de nieve voladores de espantapájaros hacen acto de presencia en este alegre cuento de inspiración medieval.

Relacionado: Nuestro álbum Rewind de otro álbum conceptual Tull, Grueso como un ladrillo

A esto le sigue quizás la canción más personal del álbum, una balada de amor titulada "Wond’ring Aloud". "Somos nuestros propios salvadores cuando comenzamos a golpear nuestros corazones unos contra otros", canta Anderson contra sus rasgueos acústicos, puntuados por oleajes orquestales y las ocasionales líneas de piano entretejidas. La canción se grabó originalmente como una epopeya de siete minutos, cuyos restos se pueden escuchar en "Wond'ring Again" en el álbum recopilatorio de 1972. Viviendo en el pasado. Una versión alternativa completa de la secuela apareció como "Wond'ring Aloud, Again" en una reedición extendida de 2011 de Traje de buceo. Puedes escucharlo a continuación.

Escucha a "Wond'ring Aloud, Again" (versión completa de Morgan) (Steven Wilson Stereo Remix)

El lateral se cierra con "Up To Me". Es un quemador de blues-rock rico en riffs con cuerdas de guitarra eléctrica serpenteantes contra la suave guitarra acústica de Anderson y líneas de flauta serpenteantes, un contraste perfecto con las canciones más cortas que lo preceden y una base para el material más pesado por venir.

El segundo lado se centra en el tema "Dios mío", que también es el nombre de la primera canción del lado. Es un tema de rock lento y dramático que critica la religión organizada, con un interludio coral. “Este es un lamento para Dios”, dijo Anderson en una entrevista en febrero de 1971. “Realmente en mí me refiero al tipo de ideas de Dios y religión que me criaron. En el contexto en el que lo conocí, Dios es algo muy personal, un sentimiento de justicia y bondad.

Fue un movimiento audaz para una banda británica en 1971. Anderson sabía que probablemente ofendería con frases como "Así que inclínate sobre él / suavemente y no lo hagas. No llames para salvarte a ti mismo / a ti de tus gracias sociales / y los pecados". solías renunciar, "por no hablar" y la sangrienta iglesia de Inglaterra / en las cadenas de la historia / pide tu presencia terrena / en la rectoría a tomar el té. Pero Anderson también señaló que su preocupación no era con Dios o la espiritualidad, sino con los sistemas de autoridad que usaban una relación con un dios 'como excusa' para un comportamiento inhumano. No querría mantener a la gente alejada de Dios ”, dijo. Eco de grabación y música antes de que se lanzara el álbum. "De hecho, no creo que puedas alejarte de Dios más de lo que lo estamos hoy".

Escucha a "My God" en concierto en el Palais des Sports, París, 5 de julio de 1975

Continúa explorando el tema con el "Himno 43", un conmovedor número evangélico que pide a Dios que perdone lo que el hombre le ha hecho. "Si Jesús salva, bueno, será mejor que se salve a sí mismo", grita Anderson sobre los lamidos de Barre y el piano frenético de John Evan, "¡malditos buscadores de gloria que usan su nombre en la muerte!"

Luego, en "Locomotive Breath", Anderson hace un balance de otro tipo de desastre inminente. Temáticamente, la canción trata sobre el miedo a sobrevivir en un mundo que se ha descarrilado debido a la codicia y la corrupción, personificado como un tren fuera de control. En 1971, Anderson pudo ver los efectos del progreso tecnológico, los sistemas sociales y un mundo en crecimiento superarse, afirmando en su coro que "no había forma de frenar".

"Todavía estamos aquí", dijo a un periodista en 2011. "Estamos creando un hábitat mucho más difícil en términos de alimentos, agua y la calidad del aire que respiramos, porque la gente sigue tomando recursos sin un plan". Este peligro es musicalmente representado por las composiciones dramáticas de la canción. Comienza con una introducción declarativa de piano, antes de pasar a un vamp blues, luego a este distintivo riff en clave. Menores que llevan la voz frenética y aullante de Anderson. La banda está encerrada en , con un ritmo metronómico pegadizo, pero parece que podrían descarrilarse en cualquier momento. Pero, como muchas de las otras canciones del álbum, se desvanece, dejándote preguntándote si la intensidad alguna vez se desbordó.

Ian anderson

El tema de cierre, "Wind Up", es la culminación de todas las ideas que habían recorrido el álbum hasta ahora, pero más directamente una condenación de la religión organizada como una mascarada y su influencia sonora en la juventud. Como recordó Anderson en una entrevista en febrero de 1971, "(Mis padres) me enviaron a la escuela dominical cuando era joven, pero me rebelé después de la primera visita. Y nunca me vi obligado a regresar. Sin embargo, creo que mis padres son la excepción, y hoy en día se impone tanta religión a los niños simplemente en virtud de la raza o el credo de sus padres, y eso en sí mismo es fundamentalmente incorrecto. "Aquí describe la religión como una acción realizada para lavar los pecados, algo que se convierte en un ritual performativo, pero que nunca se acepta como un camino hacia la iluminación". Para mí, la religión es algo en lo que uno crece para encontrar su propio camino, "el dijo NME en marzo de 1971. "Estoy seguro de que muchas otras personas creen en Dios como yo, que la fe es una forma de bondad de la que cuentas tu vida".

Mira "Wind Up" en vivo en el Capital Center, Landover, MD, 21 de noviembre de 1977

Estas declaraciones llamaron la atención de quienes pensaban que el rock ya era una forma impía y una mala influencia para la juventud. Pero Anderson se defendió diciendo: "Soy básicamente una persona religiosa; creo en el concepto de Dios para el individuo y la mayoría de las canciones del álbum son pro-Dios". Realmente no hay canciones anti-dios en el álbum.

Finalmente, Traje de buceo resultó ser un éxito, con la prensa de rock anunciando el álbum por su variedad, seriedad y musicalidad inigualable. "Hymn 43" fue seleccionado como single, pero solo arañó la superficie de los Top 100 singles. El álbum fue un éxito mundial, sin embargo, alcanzó el top 5 en ocho países, alcanzando el séptimo lugar en los EE. UU. Y el cuarto en el Reino Unido. Desde su lanzamiento, el álbum ha crecido. Ha vendido más de siete millones de copias y sus canciones se han convertido en FM. grapas de radio.

La hospitalidad le dio a la banda su primer sabor real del estrellato y los lanzó a su siguiente fase como gigantes del rock progresivo. Pero Anderson es inflexible: a pesar de su estatus, Traje de buceo no es tu álbum conceptual habitual. Puede parecer contradictorio, especialmente porque la banda ha pasado a hacer algunos de los ejemplos más aclamados del género, pero está claro por qué Anderson piensa de esa manera. Traje de buceo. El álbum conceptual canónico incluye una historia general para captar al oyente. Con demasiada frecuencia, el concepto quita la calidad de la música a medida que surgen más y más tramas secundarias, se desarrollan temas musicales y variaciones, y el público en general pierde interés. No es así con Traje de buceo. Por supuesto, hay historias y personajes, y los hilos temáticos se entretejen en todas partes, pero las canciones también existen perfectamente por sí mismas sin una historia general.

En una entrevista de 2016, se le preguntó a Anderson por qué no podía esperar para escribir lo que llamó sus 'emociones adolescentes'. Él respondió: "Tenía miedo de dejarlos crecer". Sin embargo, 50 años después, todavía cree en los mensajes detrás de Traje de buceo. "No es nostalgia para mí … Siempre me parece importante". Estos temas universales, si no proféticos, de seguridad, pérdida, espiritualidad y luchas con la autoridad resuenan no solo con el líder, sino también con los fanáticos y los recién llegados, incluso después de todos estos años. De hecho, en Traje de buceo, Anderson, Barre, Bunker, Hammond y Evan lograron aprovechar la oportunidad para crear un verdadero clásico, un álbum que desafió las convenciones y ayudó a establecer la música rock como una forma de arte, concepto de álbum o no.

Mira Jethro Tull interpreta "Aqualung" en directo Rockpop en concierto en 1982

Relacionado: 1971 – El año en 50 álbumes de rock clásico

Sam piedra
Últimos artículos de Sam Stone (ver todo)

Deja un comentario